GÉRALD KURDIAN ** HOT BODIES – STAND UP

Gérald Kurdian apparaît sur scène au début du spectacle. C’est un homme grand au corps viril et à la voix grave, mais il est aussi vulnérable, sexy et féminin. Il porte un mini short en cuir noir et nous montre, sur un grand écran en fond de scène, une photo prise au hasard de déambulations. Il s’agit d’un tag représentant à peu près ceci :

# Male

# Female

## Fucko

Il s’interroge : s’il sait ce que signifient « Male » et « Female », « Fucko » lui est inconnu. Il décide d’aller en chercher la définition dans la « Maison des enfants queer », un lieu mystérieux où règnent le désir, la beauté inconditionnelle de tous les corps et une certaine mélancolie. Kurdian, qui est également musicien et chanteur, entonne Lithium de Nirvana, et le ton naïf et drôle qu’il avait employé jusque-là fait place à une profondeur surprenante, empreinte de duende, qui annonce que le périple dans lequel nous nous engageons ne sera ni voyeur ni amusé. Ce dont il est question ici, c’est du plaisir, mais aussi de la violence incompréhensible de l’injonction à être autre que soi et de la noblesse d’y avoir survécu.

Pour que nous cernions mieux ce qui se passe dans la Maison, Kurdian décide de nous en montrer des photos. « Ma mère adore les diaporamas » nous dit-il avant d’en lancer un sur l’écran, accompagné d’une musak[1] d’ordinateur un peu folk. Si la présentation est ironique, les photos, elles, sont extraordinaires : corps ou morceaux de corps pris dans des intérieurs sombres et surexposés, lits défaits, paysages, jambes, sexes, douches, plantes, fleurs. Elles troublent à la fois par leur douceur et leur crudité, évoquant un univers où les conventions qui enclosent le sexe sont retournées. La honte, la gêne, l’exclusivité, les rôles prédéfinis, la possession de l’autre sont évincés pour faire place à une inventivité totale des rapports, des formes et des corps : les identités sont fluides et ouvertes, le désir se meut sans attache et sans a priori, le consentement est valeur cardinale. Dans cette utopie queer et féministe, le jeu, la tendresse, la jouissance sont centrales ; le plaisir se fait à la fois artistique et politique.

SommerSzene2018-GeraldKurdian_1©_SzeneSalzburg_BernhardMüller
SommerSzene2018-GeraldKurdian_1©_SzeneSalzburg_BernhardMüller

Ces photos surprennent aussi par leur qualité : prises sur le vif, elles sont précises et saisissantes, et leur esthétique fait écho à celles de Nan Goldin et Wolfgang Tillmans. Mais le travail de Kurdian, plus tendre et plus drôle, s’inscrit en même temps dans une autre généalogie d’artistes LGBTQ, tels que les cinéastes Barbara Hammer (Dyketactics) et James Bidgood (Pink Narcissus). Ces œuvres sont délibérément marquées par un côté bricolé, les moyens réduits faisant partie intégrante du camp et de ses avatars. Bidgood a réalisé son film dans son minuscule appartement new-yorkais ; Goldin prenait des photos de ses ami.es en soirée, malades, drogué.es. Kurdian se saisit de cette esthétique avec jubilation, par exemple en nous montrant un clip d’un clitoris révolutionnaire en plasticine aux petits yeux menaçants, exigeant une érotique à sa mesure.

Les photos, les personnages, les sons vont continuer à se succéder : d’abord avec Tarek X (l’alter ego de Kurdian), puis un garçon trans habité par une sagesse intemporelle, et enfin une communauté de sœurs-sorcières, qui esquissent ensemble les contours d’un monde dans lequel le sexe se fait créateur et guérisseur, puissance naturelle aussi bien que vecteur par lequel la nature s’accomplit et se régénère sans cesse. Le sexe n’est plus le lieu des transgressions ou des conventions – elles n’ont plus de raison d’être, car il s’est fait force mystique, point de contact non seulement avec les corps aimés, mais aussi avec la nature toute entière – plantes, fleurs, animaux. Le queer quitte le domaine du politique et du contingent pour faire un avec la fécondité du monde.

SommerSzene2018-GeraldKurdian_4©_SzeneSalzburg_BernhardMüller
SommerSzene2018-GeraldKurdian_4©_SzeneSalzburg_BernhardMüller

Le spectacle nous invite à nous ouvrir à ce qu’il y a de plus sauvage, doux et vulnérable en nous. Kurdian rappelle que la sexualité est toujours en excès des limites que nous lui imposons ; nos corps réclament d’autres horizons, d’autres possibles, d’autres récits. D’autres images et d’autres voix. Ainsi, Hot BodiesStand Up dévoile un aspect secret et sensible de la culture queer, loin des mirages d’une Gay Pride vendue au plus offrant et des corps plastiques des séries télévisées. Nous sommes à un autre endroit : celui des cœurs qui souffrent et des corps qui inventent, celui de la blessure sans nom et du plaisir qui crée, des sorcières en mantille, des nuits électriques, de la sororité universelle des êtres. Celui aussi d’une culture infiniment précieuse, aussi ancienne que la persécution et aussi invisible au monde extérieur que le plus intime de soi.

Gérald Kurdian performera le Hot Bodies – Stand Up au Kaaitheater le 29 et 30 octobre 2020. Son agenda est complet ici.


[1]« Muzak » désigne la musique de fond, aseptisée, que l’on entend partout, dans les salles d’attente, dans les grands magasins, etc.

Entretien avec Mohammad Yaghubi, un écrivain devant l’État iranien

Mohammad Yaghubi, c.f. note en bas de l’article (1)

Alternatives théâtrales a publié un numéro spécial consacré à la riche scène iranienne : Lettres persanes et scènes d’Iran, N° 132, 2017, avec un focus sur 5 auteurs importants de  la littérature dramatique contemporaine dont Mohammad Yaghubi fait partie.

François Chabanais : Le théâtre, la politique et la religion, pourquoi ces trois éléments sont-ils inséparables en Iran ?

Mohammad Yaghubi : Parce que la fonction du théâtre consiste à éclairer et à dire la vérité. Le théâtre se fonde sur la rhétorique et la philosophie et il a pour tâche d’analyser la situation et de jeter la lumière sur l’obscurité. Mais la politique et la religion veulent que les gens soient ignorants et soumis. Le théâtre invite les gens au doute et à l’interrogation alors que la politique et la religion les invitent au consentement, à la soumission et l’imitation. Pour cette raison ils ne sont pas séparables.

F.CH : On dirait que les artistes iraniens doivent aborder prudemment les questions religieuses et politiques dans leurs pièces de théâtre, alors que dans certains pays on critique dans les pièces de théâtre les différentes religions et même les hommes d’État, leurs actions et les effets qu’ils produisent sur la société.

M. Y : Les artistes iraniens n’ont pas d’autre solution. Les extrémistes religieux et politiques s’opposent avec violence à tout théâtre qui veut porter un regard critique sur les questions religieuses et politiques. Il est aujourd’hui prouvé et admis que la violence résulte de la peur. Celui qui se comporte avec violence craint quelque chose. Et pour cacher sa peur, il commence à agir avec violence. Il craint que la vérité ne soit divulguée et que les gens en soient informés. Beaucoup de gens souffrent toujours d’une ignorance historique.

Une Minute de Silence. 2016_Canada, metteur en scene Mohamad Yaghubi_Source des photos_Archive personnelle de Mohamad Yaghubi
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Discours des matières et des éléments dans l’œuvre de Phia Ménard

À l’occasion de la présence de Phia Ménard dans le cadre du Kunstenfestivaldesarts de Bruxelles, à la Maison des Arts de Schaerbeek / Huis der Kunsten van Schaarbeek, Bruxelles, les 7 et 8 septembre 2020, avec Contes Immoraux – Partie 1 : Maison Mère, nous publions en ligne un article du N° 138 d’Alternatives théâtrales : Arts de la scène et arts plastiques, oct. 2019.

Eau, vent, terre et ciel. Phia Ménard fait feu de tout bois. Dans des créations inclassables qui organisent la présence du corps dans un espace semé d’embûches, la jongleuse et metteuse en scène dompte les matières et joue avec les éléments. Depuis 2008, elle crée des pièces transdisciplinaires avec la farouche intention de repousser les limites habituelles de la scène. Sans doute guidée par l’adage «Rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme», elle a baptisé sa compagnie Non nova : Non nova, sed nove. (Nous n’inventons rien, nous le voyons différemment).

À la manière de Bachelard1, Phia Ménard se joue des Éléments.

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« Notre Besoin de consolation est impossible à rassasier »

Théâtre du Peuple, Bussang, du 29 août au 6 septembre 2020

Fin août à Bussang, virage vers l’automne. Le mythique Théâtre du Peuple ouvre ses portes – littéralement, comme souvent dans ce lieu-cabane à la Thoreau – pour une représentation du texte de Stig Dagerman.

Notre besoin de consolation est impossible à rassasier.

Le poème est à l’aune de ce titre-manifeste. Mélancolique, profond, sombre et lumineux, d’une densité vertigineuse… Nous sommes sur le plateau à proximité des interprètes :  Simon Delétang, maître des lieux, acteur et metteur en scène, avec Michaëla Chariau et David Mignonneau (groupe Fergessen), compositeurs et interprètes en direct de leur musique. Devant nous, la salle vide et l’édifice en forme de navire renversé. Derrière nous, la célèbre ouverture waldienne avec son « hêtre remarquable », c’est-à-dire classé comme un Monument Historique naturel.

Thoreau avait encore la forêt de Walden – mais où est maintenant la forêt où l’être humain puisse prouver qu’il est possible de vivre en liberté en dehors des formes figées de la société ?

Stig Dagerman, Notre besoin de consolation est impossible à rassasier, Actes Sud, 1955 pour le texte original, 1981 pour la traduction française.
©JeanLouisFernandez0.
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Un théâtre de rue et d’ailleurs : Patua Nou

– Tu as vu ? Le grand-père de la comédienne a pu avoir une chaise pour s’asseoir devant.

– Comment sais-tu que c’est son grand-père ?

– Je le sais.

A vrai dire, il ne fallait pas de grands pouvoirs de divination au Sicilien que je suis pour reconnaître l’un des siens dans l’homme qui se tenait assis droit sur sa chaise, raide comme pour une cérémonie : cette stature, ce visage un peu austère, ce souci d’être habillé comme il faut, avec un costume gris et une cravate foncée, cet air digne qu’ont les vieux de là-bas…

Je disposais d’un autre indice de taille, avec l’un des papiers pliés en deux que notre guide nous avait distribués à l’entame de notre parcours, en guise de programme. Un papier porteur d’un point rose, comme le ballon qui signalait la présence – à un bout de la place Saint-Paul à Liège – de la comédienne Emilie Franco autour de laquelle nous faisions cercle. « Le grand-père d’Emilie a fui la misère pour trouver un emploi ailleurs », lit-on sur ce feuillet. Ce nonno était cordonnier en Sicile; il est devenu mineur dans un charbonnage liégeois. C’est son histoire que nous allions découvrir.

Une jeune femme seule, sur un bout de place. Pour tout équipement, la comédienne dispose d’un micro relié à un ampli portable et un présentoir à images, en l’occurrence un fil tendu. Magie du théâtre, grâce à laquelle un espace quelconque peut se transformer pour un temps en plateau, en chambre d’imaginaire, en cercle intime capable d’exclure de son enceinte tout l’environnement extérieur : passants pressés, voitures, agitation urbaine.

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« Brefs entretiens avec des femmes exceptionnelles » de Joan Yago, crée par la compagnie Le Grand Cerf Bleu au Théâtre Ouvert.

Dernières répétitions dans la salle de la Cité Véron.

S’il est vrai que l’écriture comme la création sur scène préparent l’ouverture d’un après et d’un ailleurs – il s’agit cette fois d’un vrai départ et d’une future arrivée : ce sont les dernières mois de la présence du Théâtre Ouvert dans les locaux occupés depuis 1981 à la Cité Véron (Paris 18e), avant son déménagement avenue Gambetta (Paris 20e). Le théâtre fondé par Lucien et Micheline Attoun a toujours eu pour vocation d’accueillir et de faire découvrir des écritures contemporaines parmi les plus singulières, comme en témoignent les noms dessinés à la craie sur les murs de la salle : Combats de nègres et de chiens de Bernard-Marie Koltès, Bruits de François Bon, Fin d’été à Baccarat de Philippe Minyana, Onysos le furieux de Laurent Gaudé, Les Petites heures d’Eugène Durif, et bien d’autres encore. Mais le théâtre à la coupole cuivrée ne connaîtra pas de « déconfinement » public. Une page se tourne dans le grand livre du Théâtre Ouvert, qui reprendra de plus belle son travail d’exploration avec la nouvelle ouverture prévue en janvier 2021. À ce titre, les répétitions de ces « Brefs entretiens de femmes exceptionnelles » sont fidèles à l’esprit du lieu, en cultivant différentes sortes d’entre-deux.

Entre-deux langues, puisque le texte du dramaturge catalan Joan Yago a été choisi par la directrice Caroline Marcilhac, et proposé à la compagnie Le Grand Cerf Bleu (fondée en 2014) dans le cadre du programme « Fabulamundi », qui soutient la traduction et la circulation de nouvelles écritures entre différents pays d’Europe. Le trait d’union entre les textes contemporains et la scène, tracé par le Théâtre Ouvert dès ses débuts, se double cette fois d’un travail de traduction et d’édition bilingue (à paraître), ce qui est une nouveauté au sein du catalogue qui privilégiait jusque-là l’expression en langue française.

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Hommage à Michel Piccoli.

Le 12 mai 2020, Michel Piccoli nous quitte à l’âge de 94 ans, Alternatives Théâtrales lui rend hommage en publiant un entretien qui lui a été consacré en 1991.

Fièvre et légèreté – Entretien avec Michel Piccoli – mené par Georges Banu en 1991 et publié dans la revue #44 d’Alternatives Théâtrales – Théâtre et vérité.

« Un masque ou une marionnette, c’est comme un kayak », seconde conversation entre Michel Laubu et Brigitte Prost.

La semaine dernière nous avons publié un premier entretien suivi d’un Apologue du Maître de la Turaquie. Voici une seconde conversation entre Michel Laubu et Brigitte Prost.

On vous propose de continuer à avancer masqués avec trois textes qui font écho aux Enjeux du masque sur la scène contemporaine.

Michel Laubu : Les objets étaient là. Moi, au départ, je suis plutôt bricoleur. Je m’ennuyais au lycée. Je bricolais des choses et j’ai monté un premier spectacle que j’ai joué en jeune public, dans les écoles. J’avais dix-sept ans. Et en fin de compte, je n’ai jamais fait du théâtre autrement, qu’avec de vieux bouts de trucs et cette poésie de bricoler. Tout part de là.

Brigitte Prost : Comment le masque est-il apparu dans vos créations ?

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Entretien avec Michel Laubu mené par Brigitte Prost dans le cadre de la revue #140 sur les enjeux du masque sur la scène contemporaine.

Cette semaine, on vous propose d’avancer masqués avec trois textes qui font écho aux Enjeux du masque sur la scène contemporaine, numéro d’Alternatives théâtrales paru en mars 2020, par un étrange hasard…

Découvrez aujourd’hui un premier entretien, suivi d’un Apologue du Maître de la Turaquie.

On fait ce qui se passe.

Souvent cela arrive à point nommé.

Michel Laubu

Brigitte Prost : « Michel Laubu », est-ce vraiment votre nom… ? C’est un nom bien explosif…

Michel Laubu : « Laubu » est bien mon nom, ce n’est pas un pseudonyme… Il m’est arrivé d’aller sur des sites de généalogie et ce que j’ai alors rentré comme nom pour moteur de recherche, spontanément, ce n’était pas « Laubu », mais « Turak ». C’est étrange… Comme si « Turak », c’était plus mon nom que « Laubu » aujourd’hui…

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SHAN SHUI / D’ Edurne Rubio et Maria Jerez / Pour le Befestival de Birmingham

Shan Shui est une performance en ligne basée sur A Nublo, le spectacle qu’Edurne Rubio et Maria Jerez devaient présenter dans le cadre du BE FESTIVAL de Birmingham.

Il y aura deux autres représentations le samedi 16 mai ; il est possible de réserver des tickets pour le festival.

On a connu Edurne Rubio et Maria Jerez au théâtre. On a eu la chance de voir leurs performances, leurs pièces, leurs expérimentations dans des volumes offrant une bonne acoustique, avec des conditions techniques permettant de ciseler la lumière afin de mettre l’attention sur l’infiniment petit ou au contraire l’infiniment grand. Aujourd’hui, bien loin de ces cathédrales noires et cubiques que sont les salles de spectacle, bien loin du charme solennel qui y règne d’habitude, nous sommes invités dans notre domicile – des milliers de fois arpentés depuis le lock-down, à participer à un live-stream. 

Avachie dans mon canapé, la mise débraillée, exposée à d’autres flux que celui sur lequel il me faudrait à présent me concentrer, je pénètre un nouvel intérieur. Par l’intermédiaire de mon ordinateur, une femme m’accueille. Ça n’est pas un enregistrement, car je vois qu’elle a du mal à fixer son regard longtemps sur quelque chose ; elle se sait observée. Assise sur un grand fauteuil pivotant, elle a des allures de capitaine de space-ship. Après un temps, je finis par comprendre qu’il s’agit d’une des organisatrices du Befestival de Birmingham. Le sérieux qu’elle dégage m’impose directement un respect qui m’empêche de me disperser vers d’autres fenêtres.

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